Cosas Tuyas (((radio íntima)))

Contaron sus cosas...

2010-10-01T14:35:00.000-07:00

Adrián Iaies, Adriana Beltrán, Adriana Sica, Alberto Rojo, Ana Prada, Andrés Ruiz, Axel Krygier, Beatriz Pichi Malen, Carlos "El Negro" Aguirre, Catalina Vin, Cecilia Zabala, Claudia Puyó, Daniel Drexler, D ario Jalfin, Diego Pérez (((Tonolec))), Florencia Ruiz, Gabo Ferro, Georgina Hassan, Guillermo Klein, Guillermo Vadala, Julia Zenko, Julieta Rimoldi, Juan Bonaudi, Juan Ignacio Serrano (((Juanito el cantor))), Juan Quintero, Juan Ravioli, Kevin Johansen, Lidia Borda, Liliana Herrero, Lisandro Aristimuño, Lito Epumer, Lucio Mantel, Marcelo Katz, Mari Sano, Mariana Baraj, Martín "El Gnomo" Reznik, Martín Buscaglia, María José Galliano (((Doña María))), Nina Polverino, Nora Sarmoria, Ernesto Snajer y Palle Windfeldt, Fer Isella, Pedro Aznar, Richard Nant, Rodrigo Dominguez, Roxana Amed, Santiago Vazquez, Seba Ibarra, Tomas Lebrero y Willy Gonzále z

Alvy Singer

2010-09-28T09:19:00.000-07:00

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Alvy Singer es el proyecto de Jano Seitún (Buenos Aires, 1978), multiinstrumentista de formación académica que exploró los géneros populares participando activamente de ellos: su currículum precancionero incluye universos dispares como la Orquesta Académica del Teatro Colon, 4 Vientos y Satélite Kingston, y la Orquesta Típica Imperial.

Compositor audaz y escritor de canciones, desde hace algunos años las presenta en formato “solo set” (guitarra, armónica y banjo) o junto a la Big Band: una vivaz formación de cámara de seis integrantes.

Discos editados:

Vol 1 (2005)

Vol 2: La elegancia (2007)

Vol 3: El corazón fantasma (2009)

Shows:

se destacan los realizados en los Centro Culturales Gral. San Martín, Carlos Gardel, de La Cooperación y la Alianza Francesa, teatros Margarita Xirgu, IFT y Viejo Consejo (S. Isidro), Anfiteatro Griego (Costanera Sur) y diferentes salas como Million, Vaca Profana, El Nacional, La Cigale, No Avestruz, Vinilo y el Auditorio de Radio Nacional, entre otros.

Festivales:

BAFIM, Festival Telecom, Verano en el Planetario, Emergente

Giras:

Se presentó en vivo en La Plata, Rosario, Cordoba, Tucumán, Santiago del Estero, Venado Tuerto y Uruguay (La Paloma y Cabo Polonio) y en dos oportunidades visitó escenarios europeos, con shows en Londres, París, Madrid (acompañado por Nacho Mastreta) y Barcelona.

Concursos:

premio Mejor Solista “Aguante Buenos Aires 2004” Jurado: Rodolfo García (ex Almendra), "Roy" Quiroga (Ratones Paranoicos) y el periodista Alfredo Rosso (La Mano, Rock & pop).

Rarities:

presentaciones de los libros Macanudo 5 (Liniers), Cerca (Daniel Krupa, en MALBA) y Fuegos de Edipo (Walter Lescano). Además, colaboró en grabaciones y conciertos de Coiffeur, Pablo Dacal y la Orquesta de Salón, Pablo Grinjot y la Ludwig Van, Tomi Lebrero y su Puchero Misterioso, Los Caracoles, Onda Vaga. En 2010 crea junto a Nacho Rodriguez y Rubin la agrupación Campos Magnéticos, con la que (bajo supervisión de Stephen Merrit) versionan repertorio de Magnetic Fields.

Fuente: http://www.myspace.com/alvysingerbigband

Marcelo Katz

2010-09-21T21:43:00.000-07:00

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Creado en 2008 y con composiciones de Marcelo Katz, el MKQ plantea una visión artística que es una síntesis entre diferentes materiales de la música popular y la música académica contemporánea, creando una musicalidad atípica para ambos campos mientras mantienen su permanencia estética.

Katz comenzó esta busqueda varios años atras cuando trabajó en conjunto con Leo Masliah en el ciclo ¨Sin palabras¨ (1994) desarrollando luego de este estilo de composición instrumental en el Marcelo Katz/Marcelo Moguilevsky Duo (2004/2008) y la forma de arreglos en géneros populares en el Zo¨loka?Trio (2000/2008).

Este nuevo grupo profundiza una búsqueda timbrica mas compleja que sus formaciones anteriores y le permite al pianista y compositor desarrollar ampliamente su concepto de la sonoridad camarística. La instrumentación se completa con voz, guitarra acústica, violín, saxo soprano y clarinete.

Fuente: http://www.myspace.com/marcelokatzquinteto

Mariana Baraj

2010-09-08T05:32:00.000-07:00

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Nacida en Buenos Aires en 1970, esta típica morocha argentina supo transitar por el pop / rock (Catupecu Machu, Man Ray, Todos Tus Muertos, Tito Fargo, Claudia Puyó, Mad Professor, Julieta Venegas), el jazz (Bernardo Baraj Quinteto, Pepi Taveira Sexteto, Adrián Iaies) y el folclore argentino (Liliana Herrero, Teresa Parodi, Marián Farías Gómez).

Debutó discográficamente como líder en 2002 con Lumbre, al que le sucedieron Deslumbre (2005) y Margarita y Azucena(2008). Y acaba de editar, en forma independiente, su cuarto álbum titulado Churita.

Para este flamante disco Mariana Baraj decidió incursionar de lleno en la composición, ya que le pertenecen los nueve tracks que lo componen. Esta abanderada de lo que podríamos denominar “Música argentina contemporánea de proyección folclórica” ha estado participando de los festivales de world music más importantes del mundo (de Brasil a España, de Senegal a Alemania), brindado workshops por el interior de la Argentina y países como Brasil, España y Alemania y su música es elegida por cineastas, DJ’s y compañías de danza (entre otros) para acompañar las respectivas disciplinas.

En el interesantísimo Churita (grabado entre junio y agosto de 2009),Mariana Baraj se hace cargo de las voces y ejecuta percusión, charango, nbiqué, kalimbas y aerófonos. La acompañan Juan Pablo Chapital (guitarras), Quique Ferrari (bajo eléctrico, contrabajo y voz),Marcelo Baraj (percusión), Alejandro Franov (acordeón y arpa) yFernando Ruiz Díaz (voz, guitarra eléctrica y charango).

El cuarto álbum de Mariana Baraj lleva por título Churita.

Que de acuerdo al diccionario tucumano (que lo hay) significa “bonita, buena persona”.

Toda una definición.

Fuente: http://www.elintruso.com/article.php?id=1858

Catalina Vin

2010-09-01T11:11:00.000-07:00

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Hija de madre estadounidense y padre argentino, la cantautoraCatalina Vin empezó a estudiar música a los 7 años.Genuine es su primer álbum, en el que se reflejan sus raices a través de ocho canciones indie-pop cantadas en inglés y castellano con suaves arreglos de piano y cuerdas. El disco fue producido por el ex Jaime Sin Tierra, Juan Stewart, y en él participanLeo Fernández (Duke Jazz Trío), Gabriel Domenicucci (bajista de Coiffeur y Superlasciva), Leonardo Álvarez (timbalista de Dancing Mood) y Astrid Motura(violoncelo). A continuación les dejamos dos de los temas más lindos del álbum para bajar y escuchar, uno en inglés y otro en español.

Darío Jalfin

2010-08-24T20:55:00.000-07:00

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Nacido en 1978, es Licenciado en Composición Musical (U.C.A).cantante, pianista y productor.

En poco tiempo se ha tranformado en una referencia entre los nuevos cantautores con raíz en el rock nacional.

Ganó el 1er. Premio Octubre a la Música. (2006)

Fue apadrinado artísticamente por Litto Nebbia para editar su primer disco: "Le pondría una letra" (Melopea Discos, 2008)

Acaba de lanzar segundo no-disco "Rayes y centollas" , editado sólo en formato digital, y lo presentó en el teatro IFT el 26 de noviembre.

El Club del Disco (clubdeldisco.com) seleccionó sus dos discos para integrar su prestigioso catálogo (Rayes y centollascomo el primero en su historia en formato digital).

Se presentó en Festivales del Gob. de la Ciudad de Buenos Aires

(Discos Vivos, La Noche e las Librerías, Código País), en el Teatro IFT, C.C. Recoleta, C.C. Caras y Caretas, Biblioteca Nacional, Jardín Botánico, La Vaca Profana y Limbo Fest, entre otros.

Fue pianista de Tanghetto (ganadores del Premio Carlos Gardel y dos veces nominados al Grammy Latino).

Ha dictado cursos de armonía y composición de música popular (U.C.A, 2003-2006 y en forma privada) y realizado numerosas composiciones para cine, radio y televisión.

Nota en el Club del disco

Este segundo disco del autor Darío Jalfin y su grupo sale en formato digital para descarga, en edición especial para socios. Ya no es novedad lo de publicar obras a través de internet como medio directo, y en este caso desde el Club del Disco queremos presentar nuestra primera selección digital. Si te interesa esta obra sólo debes descargarlo de la web del artista ingresando por el canal ya asignado para socios del Club en dariojalfin.com.ar La llegada al público es a través de postales que vienen con un código de descarga único; esas postales están en disquerías y otros puntos de venta. Hablemos de la música de Jalfin y grupo que es lo importante. Se trata de una muy buena colección de canciones propias, con un trabajo de composición muy elevado, que a su vez resultan sencillas y cercanas.

Rayes y centollas esta hecho con el más alto nivel de producción al que aspira un disco cualquiera de la escena nacional. Aclaramos, pues lo del lanzamiento digital no desmerece la calidad de la producción, que fue encarada muy profesionalmente y se nota al oírlo. El álbum se puede disfrutar tanto en la escucha personal, íntima y atenta, en la que se descubren arreglos y detalles de muy buen gusto, como también puede acompañar un viaje, o una reunión... Las canciones de Jalfin poseen particularidades y ciertos “ganchos”, que pueden filtrarse en la memoria por diferentes lugares, desde las melodías bien logradas, el humor inteligente, o la pasión con que canta, hasta la redondez de sus estribillos. Con un audio perfecto, de sonido principalmente acústico, pero su vez rockero por la energía de la banda que ya lleva 2 años tocando y fluye en sus interpretaciones, nos recuerda a los mejores trabajos de Charly García al final de los ’80. El socio en la producción artística, quien grabó y mezcló el disco, es un reconocido productor del ambiente del rock argentino, Demián Chorovicz (trabajo con Divididos,La Portuaria, Santoalalla, etc.). Y aparece como invitado en bandoneón Tomás Lebrero, aportando un color más al amplio espectro tímbrico de la obra. Un gran disco de autor, con canciones de esas que duran para siempre.

Richard Nant

2010-08-17T20:55:00.000-07:00

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Nacido en Córdoba en 1964, a los 19 años se radica en Buenos Aires donde estudia trompeta con Roberto “Fats” Fernández y composición con Pedro Aguilar. En los 80 trabajó con artistas de rock y jazz: Charly García, David Lebon, Fito Páez, Soda Stereo, Mariano Tito, Américo Belloto, Ziegler - Lapouble y asociados, entre otros. En 1991 es becado por el Berklee College of Music y completa sus estudios egresando con diploma en composición de jazz. En Boston integra los grupos de Giovanni Hidalgo y la Big Bang de Guillermo Klein. Residió en Nueva York por cuatro años donde tomó clases de trompeta con Víctor Paz y formó parte de grupos referentes de la escena del jazz local como Timbalaye junto a Ralph Irizarry, la Magalí Souriaou Big Band y el grupo liderado por Guillermo Klein, Los Guachos, con quien funda Argentos, grupo que lidera en la actualidad.

En el año 2000 y de regreso a Buenos Aires es parte del grupo Complicó Batá, la Big Band de Jorge Navarro y Latinaje. Actualmente participa del Nicolás Sorín Octeto y la Bomba de Tiempo, entre otros proyectos.

Fuente: http://www.buenosairesjazz.gob.ar/home09/web/es/biographies/show/v/artist/167.html

Nora Sarmoria

2010-08-10T10:13:00.000-07:00

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Estudios y desempeño docente

Estudió piano jazz con Edgardo Beilín; Composición en la Universidad Católica Argentina (siguió la carrera con especialización en composición) y Piano clásico en el Conservatorio Municipal de Buenos Aires.

Ha sido docente desde 1991 al 2003 en la Escuela Popular de Música del SADEM (Sindicato Argentino de Músicos) en la cátedra de piano y de ensamble y en el Conservatorio Municipal de Morón, en los talleres de Música Popular. En forma particular dicta clases de ensamble, piano y armonía.

Ha dado numerosas clínicas "workshops" de ritmos sudamericanos que denominó "clínica de ritmos rioplatenses aplicada al piano" (tango, candombe, milonga, chacarera, zamba) en: Argentina (Capital Federal e interior del país); - La habana – Cuba (1997); Tokio – Japón (2000). Riga- Letonia (2001).

2006 clínica de instrumentación ritmos folclóricos y rioplatenses en la

Universidad de Música de Roca ( Rio Negro) , cierre con concierto para piano y sexteto de

percusiones (2 marimbas, 2 vibrafones, 2 percusiones) de Nora Sarmoria

2006 clínica de instrumentación de ritmos rioplatenses en la Univesidad de Música Popular de Villa María (Córdoba) participación de los alumnos con finalización del encuentro en un concierto con arreglos de Nora Sarmoria para el ensamble de los alumnos de dicha institución

CONCIERTOS QUE HA DADO:

Como sesionista (piano, acordeón, voz, berimbao, percusión):

Participa en giras y grabando en distintos proyectos: Raíces (candombe de Uruguay); Quique Sinesi Cuarteto (guitarrista de Dino Saluzzi); Rubén Carrasco Special Proyect (fusión étnica argentina); Liliana Herrero (cantante); Lilián Saba (pianista-compositora); Valdo Delgado (charanguista); Mariana Ingold (pianista-compositora); Leo Masliah (pianista-compositor); Kepa Junkera (acordeonista); Hugo Fattoruso (pianista-compositor); Lito Vitale (pianista-compositor); Mono Fontana (tecladista-compositor); etc.

Como compositora y productora: Con el proyecto "Nora Sarmoria & grupo" ha tocado sus músicas en: Buenos Aires e interior de Argentina. Participó en los festivales de "Mardel lazz" en sus ediciones '94, '95 y '96 en Buenos Aires; "Festival Latinoamericano de Piano" en Paraná- Argentina; "Festival de Música '92" en la Universidad de San Pablo - Brasil;"Le Paradoxe" Bruselas - Bélgica; "Montmartre Café" Copenhague - Dinamarca. En dúo con el percusionista Facundo Guevara en nov. 1995: "Casa de las Américas", "Upec" (Unión de Periodistas de Cuba) y "Casa de la Cultura de Plaza" en La Habana - Cuba.

Ofreció conciertos en solo set (piano, voz, acordeón, berimbao, calimba).

Julio de 1997: "Aarhus Intemational Jazz Festival" - Dinamarca; en este festival también participaron Mike Stern, Lee Ritenour, Michel Petrucciani, Thelonious Monk Jr.

Diciembre de 1997: "Festival Internacional de Jazz de La Habana - Varadero" Cuba; compartiendo escenario con Chucho Valdés - Irakere, Roy Hardrgrove - Crisol, Steve Coleman, NG La Banda.

Agosto 1998- septiembre 1999: “música de dos orillas” con el nora sarmoria trío en Colonia – Uruguay.

Enero de 2000 en la ciudad de Lima – Perú .

Nov-dic 2000: gira por Tokio- Japón ofrece numerosos conciertos; Embajada Argentina en Japón (workshop de folklore de Argentina y ritmos del Río de la Plata) – “Festival de Músicas Sudamericanas Locomundo” – Adan Cafe - CAY: 3-12 (concierto despedida con sus composiciones acompañada por una banda de reconocidos músicos japoneses).

Jul. 2001 en su gira europea por Letonia, Estonia y Alemania: “Riga International Jazz Festival” – Riga - Letonia - “Pärnu International Jazz Festival”- Pärnu - Estonia - “Republica del tango”& “Buch Julius” Stuttgart – Alemania. Nov. 2001 – Trondheim International Jazz Festival – Noruega ; Köln Alemania.

Jun-jul 2003 su música sinfónica ha sido interpretada por la Banda Sinfónica de Morón y por la Banda Sinfónica de la Facultad de Filosofía y Letras.

Jun 2005 gira europea a Francia, Paris y Lyon donde tocó en solo set y en cuarteto(cello, clarinete, bandoneón) arreglos de sus músicas.

2006 presenta el disco “bichos y malezas” con marcos cabezaz por todo el país. A mediados de2007 se crea el noneto AMARANTO con quienes graba el disco “alimento”www.myspace.com/amarantoalimento y forma la “orquesta de música sudamericana” (integrada por 30 músicos) interpretando repertorio popular sudamericano con quienes graba en 2008 en los estudios ION la música en vivo www.myspace.com/orquestasudamericana. en 2009 y 2010 ha dado numerosos conciertos piano solo mas clínicas-workshops en conservatorios y demas entidades del interior de Argentina: Jujuy, Salta, Entre Ríos, Santa Fe, Neuquén, Rio Negro, San Luis; Córdoba. Como asi también en Montevideo-Uruguay.

Ha grabado para distintos artistas nacionales e internacionales: Liliana Herrero, Lito Vitale, Arnaldo Antúnez, Kepa Junkera, junto a Javier Malosetti, Hugo Fattoruso, Mariana Cincunegui, Quique Sinesi, Lilián Saba, etc.

DISCOGRAFÍA

• Vuelo uno (1995) José Balé (percusión), Quique Sinesi (guitarra), Liliana Herrero (voz), Valdo Delgado (charango) y Nora en plano, voz, melódica, acordeón, composición y arreglos.

• Espacio virgen (1998) Facundo Guevara (percusión), Martín Pantyrer (saxos, clarinete, ciarón), Marcelo Macri (violoncello, piano), Lillán Saba (piano), Nora en plano, voz, acordeón, berimbao, flauta dulce contrabajo, calimba, composición y arreglos.

• Verde madre (1999) Martín Pantyrer (sx.clar.),Gabriel Rivano (bandoneon), Facundo Guevara (percusión), Silvina Gómez (perc, voz), Liliana Herrero (voz), Beto Satragni (bajo).Nora en piano, voz, acordeón, composición, arreglos

• Sonideras (2001) nora sarmoria & lilián saba: trabajo a dos pianos

• Libre de consenso (2002) sola & trio : con: Martín Pantyrer (vientos) – Facundo Ferreira (percusión) – Quique Sinesi (guitarra); Marcos Cabezaz (vibrafón) N. S. (piano, arreglos, composición.

• Bichos y malezas (2005) noras sarmoria & marcos cabezaz piano y marimba

• Alimento (2008) con el noneto AMARANTO; con composiciones y arreglos propios. Dicho noneto está integrado por nora sarmoria en piano, Marcos Cabezaz en vibrafón, Facundo Ferreira en percusión, Ana Rosa Rodriguez en flauta traversa, Ariel Naón en contrabajo, Lucas Argomedo en violoncello, Paola del Puerto en violín, Germán Moine en clarón, Inti Sabev en clarinete.

• Orquesta de música sudamericana (2009) interpretado y producido por los 30 miembros de la agrupación; a su vez recorriendo temas propios y de otros compositores sudamericanos como: Hermeto Pascoal, Rubén Rada, Daniel Escobar, Egberto Gismonti; etc.

• Fenix espiral (2010) con invitados notables como: Lilán Saba, Facundo Ferreira, Marcelo Chiodi, Martín Pantyrer, Damián Vernis.

Fuente: www.norasarmoria.com.ar/curric.html

Tomas Lebrero

2010-08-03T18:12:00.000-07:00

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Tomi Lebrero empezó su carrera como cantautor en el año 2005, aunque muchos de nosotros lo conocimos a partir de su participación en la banda de sonido de Upa! Una Película Argentina (¿se acuerdan del tema Los chicos de cine independiente?). Su banda se llama El Puchero Misterioso y está formada por Lebrero en bandoneón, guitarra y voz, Luciano Larocca en percusión, Analía Sirio en coros, Fede Llach en contrabajo, Lucas Argomedo en cello y Mariano Heler en guitarra. Cosas de Tomi es su segundo álbum solista y fue grabado en las localidades de Dolores (Buenos Aires) y Tilcara (Jujuy), con músicos diferentes en cada una de ellas. Tal vez por eso es que en el disco conviven milongas, ritmos e instrumentos andinos y samplers en medio de gestos rockeros.

Fuente: www.zonaindie.com.ar/tomas-lebrero-cosas-de-tomi

¿De dónde salgo yo?” Tomás Lebrero, 30 años, gran músico, se congela un poco ante la pregunta. Le sale un suspiro de tensión. Se ríe. Y parte de la respuesta la da en música. Esta noche, en un galpón medio camuflado de Villa Crespo que se hace llamar Teatro del Perro, está presentando su segunda producción solista –Cosas de Tomi– con algunas particularidades: no hay amplificación. Su voz y los instrumentos salen al natural. Primera aproximación. Segunda: la iluminación es con velas. Hay tres arriba del piano; algunas esparcidas en el suelo, entre los músicos, y otras donde está la gente: amigos suyos, conocidos de la casa y dos o tres periodistas tomando vino tinto. Las canciones, personales, sutiles, humorísticas, salen impecables. Más que ensayos de estilo, como en su primer disco, son como una nomecladora de estilos trasvasados por su yo: milongas, música del NOA, pinceladas folk, chacareras con giros, algún tango sutil. Respuesta, ahora en palabras: “No sé. Salgo de un lugar medio mal conceptuado como San Isidro. Es rarísimo. Soy de alguna forma un rebelde, porque mi camino era hacer la facultad y esas cosas. Para mi abuela yo tendría que haber sido una persona ‘importante’ y la música es otra cosa”.

–Ir a las discos, al gym, estudiar en la UADE, tener autos y vivir en un country.

–Claro, toda esa historia, aunque no tan extrema. No hay que ser tan cruel ni unilateral con los lugares, pero sí: pasé de una historia careta a otra cosa. Salí de ese mundo estructurado, tan dado. De adolescente, me venía con los pibes a los bares de Capital a leer poesías o curtir recitales. Además, siempre me copé con la naturaleza y por ahí me viene una cosa medio telúrica. No sé. Ser de Buenos Aires es tener muchas vertientes en la sangre, ser un curioso receptivo.

Lo receptivo se traslada, por inercia, a la música. Lo que hace Lebrero es tomar lo aprehendido –entre viajes y experiencias– pasarlo por el tamiz de su subjetividad y entregarlo en forma de algo nuevo. Una resignificación. “Es lo que busco. En un momento, cuando grabé el primer disco, me puse a estudiar esos géneros y casi los copié. En éste, en cambio, el ejercicio fue algo más que una copia de estilos. Es un desafío personal.” En rigor, Cosas de Tomi –cuya presentación oficial será mañana y el 20 de mayo en el CAFF– fue grabado mitad en un rudimentario estudio de Tilcara y mitad en un casco de estancia chica en Dolores. “¿Hippiada?, más o menos... pintó un campo y nos fuimos con los músicos, porque estaba lindo hacerlo en otro ámbito que no sea la ciudad. Yo, por esos días, estaba copado con Devendra Banhart y sabía que él había grabado su disco así: en una cabaña. Claro, la diferencia es que él tenía una producción con mucha guita detrás y nosotros aislábamos los ambientes con colchones (risas).”

–¿Y en Tilcara qué pasó?

–Tuve la suerte de conocer a Ricardo Vilca durante sus últimos seis años de vida... fue un maestro. Su actitud de tipo humilde y copado me llenó. Igual, tampoco hay que idealizar. Generalmente, la prensa de Buenos Aires tiende a ponerlo en un lugar un poco romántico. Pero si ves de cerca, en realidad todos los egos son parecidos. El y Mederos –Rodolfo–, otro maestro para mí, tienen un ego grande. O Juan Falú, con quien compartí varias jazzeadas. Ricardo era un tipo muy de la tierra, haciendo una música de la tierra. Tenía vuelo y encontró una voz propia. Es lo que estoy buscando yo.

Lebrero se distiende. Ya le sale mejor definirse. Es un músico con vuelo que busca una voz propia a través de canciones realmente intransigentes: “Armándolo Discépolo”, “Tilcara”, “El amor en Buenos Aires”, “El artista en vacaciones”, “Siete días”, “Bolivia”, “Nadalina”, “Malambo del Tobiano”, algunas unidas –en concepto– por la idea de la fuga, hacia la infancia o hacia el campo. “Tobiano fue un caballo que tuve en la infancia, en un campo que iba de niño, y me marcó mucho. Lo que pasa es que uno agarra elementos de la realidad y después pone bastante de ficción. ‘El artista en vacaciones’, también habla de una experiencia de retiro, de fugarme a un lugar, al campo, y salió ese texto.”

–En “Milonga progresiva”, después de esa introducción con pájaros y animales de campo, aparece un diván en el medio de La Pampa y una sentencia sintomática: “Los bueyes son de Freud, las vaquitas, de Lacan”. Puede remitir a dos cosas: aquella canción del Spinetta de Privé (“Yo no quiero ser Freud en el medio de La Pampa”) o a “El arriero”, de Yupanqui. ¿La compuso pensando en ellos?

–Más bien pensando en una reescritura de “El arriero”. La idea era más o menos insertar a la clase media que se psicoanaliza todo el tiempo dentro de una milonga campera. La Pampa tiene algo freudiano, como de diván, de fluidez y apertura, ¿no? Bueno, éste es el diálogo interno de un arriero psicoanalizado. Psicoanálisis y Atahualpa, che (risas).

–A propósito, hay una intención humorística en sus canciones. Se nota que le escapa a la solemnidad del músico “artísticamente correcto”.

–Totalmente. Trato de escaparle, pero ahora me pasa al revés. Mi naturaleza es así, cambiante... ahora estoy tratando de hacer el ejercicio inverso, porque en un momento se me fue de las manos. Siempre me dan ganas de hacer una vuelta carnero cuando me veo en una situación densa.

–¿En qué contribuyó haber sido bandoneonista estable de la Orquesta Fernández Fierro?

–En la búsqueda de una raíz. Fue algo como indeleble para mi vida, aprendí mucho.

–Pero acotado a lo específico del instrumento en el marco de una orquesta de tango, mientras en su música hay elementos más asociados al folklore. Hay un lenguaje más abierto...

–Fue la idea. Traer elementos del paisaje rural a una música urbana. Un folklore urbano, digamos. Yo, en definitiva, soy como una esponja que va agarrando de lugares. Eso de las raíces en un momento me pegó bastante. ¿Quién soy, entonces? Bueno, un producto de haberme salido de lo establecido para indagar en la libertad.

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-13822-2009-05-11.html

Radios que transmiten "Cosas Tuyas"

2009-12-30T21:13:00.000-08:00

Lunes
A las 13:00 por www.radioeter.com.ar - Cap Fed - Bs As

A las 22:00 por Radio comunitaria C.A.M.Co. FM 89.9 - Santa Fe

A las 21:00 por De la azotea FM 88.7 - Mar del Plata - Bs As

Martes
A las 21:00 por De la azotea FM 88.7 - Mar del Plata - Bs As

Miércoles
A las 20:00 por Radio Lamil35 FM 87.9 - Campana - Bs As
A las 21:00 por www.radioeter.com.ar - Cap Fed - Bs As
A las 22:00 por Estudio B - Cap Fed - Bs As

A las 21:00 por De la azotea FM 88.7 - Mar del Plata - Bs As

Jueves
A las 19:00 por Radio Libertador FM 92.7 - Mendoza
A las 21:00 por De la azotea FM 88.7 - Mar del Plata - Bs As

Viernes
A las 21:00 por De la azotea FM 88.7 - Mar del Plata - Bs As

A las 15:00 por Colectivo Radial Petu Mogeleiñ FM 88.7 - Maitén - Chubut

Sábados
A las 21:00 por Radio Universidad FM 97.7 - Río Cuarto - Córdoba
A las 22:00 por FM Compartiendo 89.7 - Quilmes - Bs As
A las 23:00 por www.radioeter.com.ar - Cap Fed - Bs As

Domingos
A las 20:00 por Radio Ahijuna FM 94.7 - Quilmes - Bs As

A las 21:00 por Focus FM 99.9 - Epuyén - Chubut
A las 21:00 por QSP Radio
A las 21:00 por FM Difusion 98.1 - Berisso - Bs As

A las 15:00 por Colectivo Radial Petu Mogeleiñ FM 88.7 - Maitén - Chubut

Juan Ignacio Serrano (((Juanito el cantor)))

2009-12-30T07:39:00.000-08:00

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Alter ego, amigo imaginario, memoria y futuro de Juan Ignacio Serrano.
Nació hace un tiempo inesperadamente y fue recibido con mucha alegría (todos los queremos mucho).
¿Qué es lo que él hace? Canciones más que todo... solo con la guitarra y la voz o con la participación ocasional de alguno de sus amigos, la invitación es para deleitarse con un puñado de canciones simples y atemporales ubicadas en algún lugar entre la trova, el folk y el indiepop.
Muchas de sus canciones las editó en su primer disco llamado "12 canciones de amor y una botella de vino" que en junio de 2007. Reside en la ciudad de Castelar, partido de Morón del conurbano bonaerense y desde allí se están gestando sus nuevas melodías y caprichos para el futuro incierto... desde el 2006 ha realizado los conciertos Ciclo Nuevo en C. C. San Martín; Compass Lado B en Niceto Club; Aquí, allí y en todas partes, en la Biblioteca Nacional, y ha realizado otras presentaciones en Alianza Francesa, Bar El Nacional, La Vaca profana, Espacio no avestruz, Ultra Bar, El victorial, Ostinatto, entre otros lugares del circuito de la Capital Federal. También ha llevado su música a Resistencia, Corrientes, Bahía Blanca, Santa Rosa, San Miguel de Tucumán, Santiago del Estero, San Carlos de Bariloche, Rosario, Paraná y Puerto Madryn. Fuera del país, Juanito ha dado conciertos en San Pablo (Brasil), Ferney-Voltaire (Francia) y Ginebra (Suiza).
Juanito prepara su segundo disco "El sueño de las Ballenas", que vera la luz para el proximo año.
Mientras que Juan Ignacio Serrano, tiene varios proyectos en los que se encuentra ocupado, por un lado grabado lo que seria el primer disco de "Yenifer y su Auto Magico", ex Antü para los melancolicos. Produjo y tambien participa en el Proyecto de "Doña María", una banda que toma una selecta lista de canciones del repertorio folklórico sudamericano y las reformula en una mezcla bailable, urbana y emotiva..
Junto a Guillermo Beresñak formo el "Duo Limon" donde grabo una retrospectiva al tango que se titulo "Adan y Evo".
Forma parte de HETEROGENEA, comunidad en la cual se mezclan la música, el cine y demás eventos multidisciplinarios.

Con el enfoque de un niño, Juanito dibuja un álbum conceptual, en el que cada canción es una amalgama perfecta de música y letra. Apasionadas historias, contadas con una sonoridad despojada.

En cada uno de los tracks la temática de las letras se complementa muy bien con la música. Con diferentes abordajes, las canciones no necesitan mucho para ser dichas. Desde el plan atormentado de “Es tarde”, hasta la canción infantil“Estrellitas”, pasando por el vals, las reminiscencias a Leo Masliah y el pop, nos encontramos frente a un trabajo muy fino desde lo compositivo. Y aún cuando aparecen la ironía, lo naïf o el romanticismo, también eso está planeado y puesto a punto.

Con gran solvencia interpretativa, cada track muestra una forma distinta de tocar la guitarra, armando un arreglo que resalta el tema. Su voz y su guitarra son los instrumentos casi excluyentes para producir esta colección de canciones. Ambos se llevan muy bien y hacen que realmente las canciones sean las protagonistas del disco.

Los otros colores, principalmente un piano y la caja de la guitarra usada como percusión, suman nuevos timbres al sonido hasta lograr, con estos pocos elementos, sintetizar toda la estética de producción de una banda.

Lejos de la ingenuidad aparente de los textos, tanto la composición como la ejecución son muy maduras, demostrando un gran manejo de los lenguajes musicales. Al escucharlo es inevitable recordar a Brassens, Bob Dylan, Morrisey y otros trovadores más o menos modernos. Con este disco Juanito se inserta en la nueva camada de cantautores argentinos, entre los que se cuentan Ezequiel Borra, Coiffeur, Seba Ibarra y Lisandro Aristimuño, entre otros.

Juanito le canta a la infancia. Un mundo feliz, colorido, con hallazgos alegres y algunos recuerdos amargos. En el tratamiento melódico hay algo de minimalismo, dado por el uso repetitivo de pocas notas en muchas de las canciones, lo que en este caso resulta una virtud. Pero también aparecen melodías más desplegadas y de alto vuelo poético, como en “Bolero” o “La última canción”. Los pocos coros que aparecen a lo largo del disco aportan un color más relacionado con lo tímbrico que con lo armónico, destacando algunos pasajes melódicos.

La presentación gráfica, que incluye figuritas autoadhesivas y dibujos para colorear, completa la obra conceptualmente. Desde los colores y las texturas refleja el imaginario infantil sin inocencia. El packaging es bello y a la vez coherente con el discurso de la música.

En este disco queda plasmada con justeza la síntesis del autor para presentar el concepto de toda banda pop, solo con su guitarra y otros pocos elementos. Se trata del primer disco de Juan Ignacio Serrano, un socio del Club que acercó su material. Ahora está al alcance de todos.

Fuente: http://www.myspace.com/juanitoelcantor y http://clubdeldisco.com/sitio/index.php/catalogo/disco/juanito_el_cantor_12_canciones_de_amor_y_1_botella_de_vino/

Axel Krygier

2009-12-23T11:26:00.000-08:00

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Axel Krygier es un compositor e intérprete argentino abocado a la grabación y la performance en directo. Su estilo es producto de la cruza de influencias tales como la música criolla, la canción francesa y el agogó. Hasta el momento lleva editados cuatro discos a través de Los Años Luz Discos en Argentina: Echale semilla!, Secreto y Malibú, Zorzal, y el reciente Pesebre. En España han sido editados Echale semilla, Echale remixes y Echale + remixes (estos últimos en vinilos de 10 pulgadas) y Zorzal, a tra vés del sello HiTop. Compuso la música de numerosos largometrajes y obras de danza entre ellos se encuentra "Secreto y Malibú" con dirección de Diana Szeimblum y recientemente " Trois tangos" del dramaturgo Gonzalo Demaria y el director Alfredo Arias, presentado durante noviembre, diciembre de 2009 en el Theâtre du Rond-Point en París, Francia. A lo largo de su carrera se presentó en diversos festivales, tales como el "Rencontres Transmusicales de Rennes"; "Festival La Línea" | Reino Unido; "Istanbul Chill Out Festival | Turquía" ; "Earth Day Festival Plaza de las naciones Unidas"; "Festicumex"l creado por Dick el Demasiado,Van Abbemuseum de Eindhoven, Holanda " entre otros.

Axel Krygier nació en Buenos Aires en 1969. Realizó sus primeras giras como saxofonista con “Instrucción Cívica” (Kevin Johansen y Julian Benjamin), al mismo tiempo que estudiaba piano y flauta traversa.
A los dieciocho años compró su primer grabador multipistas y comenzó a grabar sus propios temas y experimentos tímbricos, tocando él mismo todos los instrumentos. Desde entonces ha realizado música para numerosos largometrajes, obras de teatro y danza.
Entre 1990 y 1996 formó parte del grupo La Portuaria, con el cual realizó extensas giras y registró cuatro discos.
En 1999 Los Años Luz Discos editó su primer trabajo como solista, “Échale semilla!”, considerado Revelación del Año por el Diario Clarín y la Revista Rolling Stone. Al año siguiente el álbum fue editado en España por el sello HiTop, el cual previamente lanzó los vinilos "échale remixes" y "échale más remixes". Los temas del disco pueden encontrarse también en numerosos compilados europeos y asiáticos. En 2003 Los Años Luz Discos editó "Secreto y Malibú", banda de sonido compuesta por Axel para la obra de danza-teatro homónima que por esos años se presentó con éxito en nuestro país y en Europa, Estados Unidos y Asia. Entre 2001 y 2003 Axel Krygier armó su banda en Barcelona y participó de numerosos festivales europeos, tales como el Transmusicales de Rennes, BAM de Barcelona, Bal-Concert de La Villette en París, La Línea Festival Latino de Londres, entre otros.
De regreso a la Argentina creó junto a Christian Basso el Sexteto Irreal, grupo integrado además por Fernando Samalea, Alejandro Terán y Manuel Schaller, con el cual ha tocado en los festivales Konex, Quilmes Rock y en otros significativos escenarios de la noche porteña. Ha participado en grabaciones discográficas de artistas como Daniel Melingo, Kevin Johansen, Christian Basso, Fernando Samalea, Los Pericos, Los Cafres y el español Watch TV, entre otros.
De su labor como compositor de música para películas, cabe destacar que sus dos últimas realizaciones, "El boquete" de Mariano Mucci y "Chicha tu madre" de Gianfranco Quatrini, han sido estrenadas en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en febrero de 2006. En este momento se encuentra ensayando con su nueva banda, Los Guacamayos para las presentaciones de zorzal.
A principios del 2007 edita su segundo álbum de estudio, Zorzal (Hitop Records). Incluye colaboraciones de su hermana, Marcia Krygier, miembros del Sexteto Irreal (grupo que fundó), Gaby Kerpel y Kevin Johansen, entre otros.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Axel_Krygier

Fer Isella

2009-12-16T10:15:00.000-08:00

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Fernando Isella nace en Buenos Aires en 1975. Productor, compositor, pianista, luego de obtener 20 discos de platino y oro para Sony music como productor, en 1998 viaja con una beca completa Fulbright para iniciar sus estudios de Composición de Jazz en Berklee College of Music, Boston. En el 2000 se gradúa y se muda a New York, en donde forma su grupo de nuevo folklore argentino, Makanudos. Atraviesa experiencias en diversos estilos musicales de la escena local "downtown" New York, junto a Miho Hatori (Cibo Mato), Joy Askew ( Peter Gabriel, David Bowie), entre otros artistas de la escena de música experimental. En el 2006 regresa a Argentina donde funda Limbo Music, una productora/discográfica de música independiente argentina, focalizada en llevar estilos como el jazz moderno y el folklore latino-americano a una apertura influenciada por las nuevas tendencias.

Doña Furia Gaucha es una obra conceptual, compuesta entre 1999 y 2000, grabada en 2003 en Nueva York y terminada en Buenos Aires (mezcla, mastering, arte gráfico) entre 2006 y 2007. Pese a tan largo proceso de gestación, el material es sumamente fresco. Por momentos se trata de un curioso viaje desde el folklore argentino al jazz norteamericano que ignora las experiencias de la denominada “fusión” de la década del 80. Los músicos que integran el grupo también son un reflejo de este viaje: dos músicos italianos y dos argentinos, reunidos en los Estados Unidos.

Una expresiva vidala en inglés, que sin embargo no suena extraña, y profundas visitas a La juguetona (Hnos. Díaz) y a La arenosa (Cuchi Leguizamón) son quizás los puntos más altos de un trabajo que no tiene puntos bajos. El tipo de sonido del disco, responsabilidad de Facundo Rodríguez, llevando a un color metálico los teclados de Isella (que comandan casi todas las piezas) es novedoso. Como si se tratara de un instrumento más, la ecualización agrega una interesante tensión a esta obra que transita todo el tiempo de lo local a lo global sin prejuicios.

Fuente:

http://www.buenosaires.gov.ar/areas/discograficas/artistas/?info=detalle&id=704

http://www.clubdeldisco.com/catalogo/catalogo75.php

Martín Buscaglia

2009-12-09T10:10:00.000-08:00

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Martín, de 35 años, tuvo la suerte de nacer en la casa de Montevideo donde a mediados de los 70's se reunían Eduardo Mateo, Pippo Spera, Ruben Rada, Urbano Moraes. Los escuchaba componer y divagar muerto de sueño sin querer irse a la cama y sin que nadie lo mandara acostar.

Luego llegaron El Príncipe, Los Beatles, Stevie Wonder, Tom Waits, Mario Levrero, Marc Ribot, Marvin Gaye, Sly Stone, Clarice Lispector, e.e.cummings, Michael Jackson, Jorge Ben, Terry Gilliam, Legiấo Urbana y la coctelera no dejó de moverse hasta que en el 97 apareció "Llevenlé", su primer disco. Entre tanto, compuso para teatro , para Carnaval, inició el proyecto de música infantil Cantacuentos, con el que lleva editados 3 discos, tocó el bajo salsero en cruceros del Caribe, viajó, compartió escenario con Caetano Veloso, Charly García, Luis Alberto Spinetta, Arnaldo Antunes y Jorge Drexler. En 2000 grabó "Plácido Domingo", su segundo disco calificado por Rolling Stone como "Uno de los mejores discos de los últimos tiempos en Montevideo. Martín Buscaglia sabe ponerle la dosis exacta de poesía a la canción y sabe también envolvernos en esos ritmos mestizos de alguien que conoce de memoria a Mateo pero también a Marley, a Hendrix y a Prince".

En 2004 apareció en España su tercer disco "Ir y Volver e Ir", primera colaboración con el sello madrileño Love Monk.

En el 2006 llega su cuarto disco de canciones: “El evangelio según mi jardinero”. Buscaglia grabó este disco con una importante apuesta en la producción —al punto de que esas mismas canciones, producidas de otra manera, parecerían otras. Dentro de cada tema, se escucha la original mixtura tímbrica: por momentos se cruzan cuerdas acústicas con teclados, y una abigarrada grabación de las voces y la percusión. El funk, el rock y lo folklórico propio de la tierra uruguaya, se visten aquí con los alcances de una producción electrónica, dando como resultado este fresco y singular trabajo.

TEMPORADA DE CONEJOS

Disco esperado por los muchos admiradores que tiene este artista uruguayo, el sucesor de El evangelio según mi jardinero no defraudará a quienes tanto lo anhelaron. Una suma de ingenio y belleza funky, con mucho espacio para el delirio, la introspección folk y mucha, mucha, mucha… ¡improviseishon!

Parecían difíciles de superar las cumbres a las que había llegado Buscaglia en su disco anterior. Es que El evangelio según mi jardinero, tenía esa mezcla de humor, romanticismo, escepticismo, juegos rítmicos y verbales, en fin, esa desmesura propia de este inquieto y pequeño gran cantautor. Pero no repasemos más los méritos de la anterior obra, sumerjámonos en este nuevo mar de canciones.

No hay ningún tema que se llame Temporada de conejos en el disco, pero la frase aparece mencionada en No vamos a parar nunca, segunda canción, y los conejos saltan en algún otro recodo del CD. Buscaglia juega de tal manera con las palabras que no necesita explicar nada; esto es poesía pop, toma frases y lugares comunes de la cultura popular casi siempre con múltiples significados, como Diablo débil o como muchos de los versos de casi todas las canciones, tanto en castellano como en inglés, en la genial Spam. Un sentido del humor con mucho de absurdo, que es heredero directo de tanta canción uruguaya. El soporte de tanta palabra varía, desde el funk al reggae, pasando por ritmos tropicales, por bellas baladas, un blues con bombo legüero a dúo con Kiko Veneno y con mucho coqueteo con la cultura rock de este lado del mundo. Hay momentos magistrales como Fico fue a la montaña, balada algo beatle, algo Spinetta, con un arreglo de cuerdas y voces muy bien escrito; o como Oda a mi bicicleta, que nos trae ecos de Fernando Cabrera o Eduardo Mateo, cierta desolación en la poesía, un aire a mañana fresca de Montevideo.

Para esta nueva aventura sigue con sus fieles escuderos, los hermanos Ibarburu (Nicolás en guitarra y otros instrumentos, Martín en batería, ocasionalmente Andrés en violonchelo) y muchos invitados, estelares y de los otros. El propio Martín Buscaglia canta, toca la guitarra, el bajo, el piano, la marimba, instrumentos informales y cosas que no son instrumentos también. Grabado con perfeccionismo en Montevideo (salvo algunas grabaciones adicionales hechas en distintos lugares y tiempos), mezclado en Madrid y masterizado en Buenos Aires, Temporada de conejos es un desparramo de energía y creatividad de Buscaglia, y necesita de varias escuchas para que se le pueda “entrar”.

Cualquier intento de definirlo o interpretarlo en pocas líneas estará condenado al fracaso de antemano, hay que tratar de aprehenderlo en sucesivas jornadas; da para muchas, innumerables repeticiones. Como en una miniatura medieval, está lleno de detalles, formas, colores y luces de distinto tamaño en sus 14 canciones. ¿Catorce? ¿Leí bien? Sí, porque el final es una coda (con “c”) con homenaje a John Cage incluido (inmejorable interpretación de una de sus piezas más célebres) y un último track de despedida que refuerza la intención del compositor y pensador estadounidense.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Martín_Buscaglia, http://www.clubdeldisco.com/catalogo/catalogo40.php y http://clubdeldisco.com/sitio/index.php/catalogo/disco/martin_buscaglia_temporada_de_conejos/

Georgina Hassan

2009-12-02T10:14:00.000-08:00

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Georgina Hassan nació el 9 de mayo de 1977 en Buenos Aires.

En 1994 se recibió de Maestra Nacional de Música en la Escuela “Juan Pedro Esnaola”, y en 1999 egresó de la Escuela de Música Popular de Avellaneda con el título de instrumentista con especialización en guitarra folklórica.

En el año 2002 realizó su primer gira por Europa, con conciertos en Francia, España y Portugal.

En agosto del 2004 grabó su primer disco solista, “Primera Luna”, con arreglos y dirección musical de Pablo Fraguela, y producción artística de Ariel Hassan.

Compartió escenarios con Ernesto Acher, Carlos “Negro” Aguirre, Lisandro Aristimuño, Rubén Goldín, Liliana Herre

ro, Inti-Illimani, Samanta Navarro, Opus Cuatro, Ana Prada y Chango Spasiuk, entre otros artistas.

Ha realizado giras por el interior de Argentina, como así también por Chile, Paraguay, Uruguay, España, Francia y Portugal.

En abril de este año realizó su quinta gira europea presentándose en las ciudades de Granada, Zaragoza y Pamplona en España, y en Porto, Braga y Maia en Portugal.

En septiembre de 2009 lanza su segundo disco, “Como respirar”.

Georgina Hassan no sólo tiene una deliciosa voz, que maneja con expresividad, sino que es la autora de casi todas las letras y músicas de este trabajo. Y hay que decir que la mayoría de estas canciones tienen esa extraña virtud de parecernos ya conocidas a la primera escucha, estado al que aspiran todos los que hacen canciones. Tomando elementos del folklore llanero venezolano, de la música popular brasileña, de la música tradicional sefaradí, del folklore del norte argentino y de la canción urbana de Buenos Aires (ese amplio género en el que entran desde Alejandro del Prado hasta los tangos de Piazzolla-Ferrer, pasando por creadores de hoy como Edgardo Cardozo), Georgina se construye un repertorio que le calza a medida a su voz. En ese transcurrir sereno de las canciones homenajea a sus antepasados, venidos de los cuatro rincones del mundo, como ocurre con frecuencia en esta tierra de mestizajes que es la Argentina. Para que su voz se pasee con comodidad por las melodías, la artista se apoya en un sólido grupo integrado por Diego Penelas en piano, Fernando Mántaras en contrabajo y Rodrigo Quirós en percusión. En varias de las canciones la misma cantante toca el cuatro venezolano o la guitarra. Además hay invitados de lujo, como Lito Vitale en acordeón, Raly Barrionuevo en voz, o Facundo Guevara en percusión, por nombrar solo a tres. La calidad de la grabación (hecha en diferentes estudios repartidos por el mundo) y la visión de la producción artística y la dirección musical son notables, más teniendo en cuenta que se trata sólo del segundo disco de esta joven autora y cantante. Y lo hace de manera totalmente independiente, una muestra más de que es posible producir trabajos de primer nivel desde la autogestión. Se trata de un disco amable, accesible y cercando, con sonido acústico enriquecido por muchos timbres diferentes, que conjuga una larga variedad de tradiciones. Todo sobre una base firme de raíz latinoamericana; aún en aquellas canciones que no son de este suelo. Esto hace que muchos se puedan sentir identificados con lo que suena en las canciones de Georgina, y por cómo las hace sonar. Una de las cosas más difíciles es aceptar una nueva voz en la música popular: tiene que ser particularmente nueva, fresca y bella o en todo caso muy extraña para que podamos distinguirla en medio del aluvión de artistas, nuevos o viejos, al que nos vemos sometidos cada día en los medios de comunicación y de transporte. Georgina Hassan logra conexión inmediata con el oyente desde el primer instante. Las bellas fotos de Nora Lezano y el cuidado arte gráfico completan los sonidos que salen del disco, reforzando significados y colaborando con el disfrute de la obra como un todo.

Fuente: http://clubdeldisco.com/sitio/index.php/catalogo/disco/georgina_hassan_como_respirar/

Guillermo Klein

2009-11-25T10:31:00.000-08:00

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Nació en Buenos Aires en 1969. Es considerado el músico argentino de jazz con más prestigio y reconocimiento internacional tanto por su sólida formación académica y talento como por su gran originalidad.

Graduado en el prestigioso Berklee College of Music de Boston de donde surge su primera formación denominada Big Van, una orquesta de diecisiete músicos con la que realizó algunos recitales y registró el disco Minotauro. En 1994, se mudó a Nueva York, donde sostuvo un ciclo en el Club Small’s del village neoyorquino por cinco años, con el grupo, reducido a once miembros y rebautizado como Los Guachos, que sigue activo hasta el presente y con el que grabó la serie Guachos (tres discos) y el más reciente Filtros. A fines del año 2000, regresó a Buenos Aires y formó un noneto junto a Pipi Piazzolla, Matías Méndez y Juan Cruz de Urquiza, entre otros. Con ellos grabó el disco Una nave, considerado por el diario The New York Times como uno de los diez mejores discos de jazz de 2005, año en que fue editado en Estados Unidos por Sunnyside Records. Ese disco fue luego su primer disco editado en su país natal en 2007 por Limbo Music. Desde 2002, vive en Barcelona, donde compone y toca con su dúo a dos pianos junto a Jorge Rossy, y se presenta con su septeto en un pequeño club de la ciudad condal.

Luego de la trascendental experiencia de Homenaje al Cuchi Leguizamón comisionada por el Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires (dirigido por Adrián Iaies) en 2008, en la cual un colmado Teatro IFT aplaudió de pie, el pianista vuelve al país para presentar el lanzamiento del portal www.homenajealcuchi.com (Limbo Music 2009). Este sitio web contendrá material audiovisual exclusivo registrado en dicho Festival: música, videos, partituras y contenidos interactivos de descarga libre.

Fuente: http://www.buenosairesjazz.gob.ar/home09/web/es/biographies/show/v/artist/150.html

Carlos Aguirre

2009-11-18T10:13:00.000-08:00

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Pianista, compositor y arreglador argentino que luego de integrar agrupaciones con diferentes tendencias musicales vuelca esta experiencia a la música popular de su país y latinoamericana. Se vincula con la canción a través de su trabajo como arreglador de producciones de cantantes argentinos, peruanos y chilenos. De esta relación con la música cantada y aspectos de la literatura surge un grupo de canciones con textos propios y de poetas argentinos, orquestadas básicamente con guitarras, que dieron lugar a sus dos primeros discos. Estas canciones han encontrado su instrumentación a través de una experiencia grupal junto a dos guitarristas de formación académica, lo que ha permitido a este compositor conocer aspectos más íntimos de la técnica de este instrumento y desde allí abordar un concepto "camaristico" para sus canciones. La relación con el guitarrista Eduardo Isaac aportó a este músico el lenguaje universal del instrumento a través de transcripciones y arreglos del propio Isaac y del repertorio de otros compositores del mundo que viven y producen en nuestro tiempo. Luego de integrar agrupaciones con diferentes tendencias musicales, volcó esa experiencia, hace unos diez años, a la música argentina y latinoamericana. Ha compartido su música con músicos como Lucho González, Hugo Fattoruso, Luis Salinas, Jorge Fandermole, Francesca Ancarola, Eduardo Isaac, Silvia Iriondo, Quique Sinesi, Jorge Cumbo, Ze Miguel Wisnik, Juan Quintero, Juan Falú, Liliana Herrero. Cuenta con tres discos de canciones grabados con Carlos Aguirre Grupo y a fines de 2005 editó su primer disco de piano solo: “Caminos”,que incluye composiciones propias y clásicos del cancionero de nuestro país con arreglos previamente concebidos o a modo de versiones libres Sus libros editados son: “Canciones” de la Colección Pentagrama e “Imágenes”Colección de música aergentina para guitarra. En Abril de 2008 se estrenó su obra para guitarra y orquesta “Escenas paranaenses”, con Eduardo Isaac en guitarra y la Orquesta Sinfónica de Entre Ríos dirigida por el maestro Reinaldo Zemba. En Agosto de 2008 UNICEF –Chile- presentó el disco “Arrullos” grabado junto a la cantante chilena Francesca Ancarola. Fue nominado al Premio Revelación de Folclore Clarín 2003, y en el año 2005 recibió el Premio Konex Diploma al Mérito a las 100 personalidades más destacadas de la última década de la Música Popular Argentina(1995-2004)

Fuente: http://www.myspace.com/aguirrecarlos

Adriana Beltrán

2009-11-11T09:45:00.000-08:00

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De los once a los diecisiete años estudia guitarra clásica en forma privada. (1978-1984)

En 1986 comienza el profesorado de guitarra clásica en el Conservatorio Provincial de Morón, cursando dos años de carrera.

Entre 1988 y 1990 transita y egresa del taller de “Música popular experimental” a cargo del Profesor Ricardo Capellano, en el conservatorio Manuel de Falla.

En 1994 egresa de la Escuela de Música Popular de Avellaneda con el título de “Instrumentista en Música popular-Guitarra Folklore”.

En 1997 egresa del “Profesorado de Educación Musical” en la misma escuela.

Entre 1999 y el 2003 cursa cuatro años de guitarra jazz con el Profesor Armando Alonso. Paralelamente desde 1993 hasta 2003 estudia canto con la Profesora Carmela Giuliano.

En el año 2005 comienza a reforzar su técnica vocal con la licenciada fonoaudióloga y cantante Leticia Caramelli con quien continúa formándose en la actualidad.

Durante el mes de Abril del 2007 asiste a los Workshops dictados por los maestros:
Paul Dutton, David Moss y Tran Quang Hai, en el marco de las Jornadas Internacionales sobre la voz cantada, Institute for Living Voice, organizadas por el Centro de Experimentación del Teatro Colón.

Actividades Artisticas

Es compositora y cantautora desde los 16 años, sus canciones recorren un camino de búsqueda personal y colectiva.

Intervino en presentaciones de “Prácticas grupales de la Escuela de Música Popular de Avellaneda” como cantante y guitarrista durante cinco años (1990-1995)

Intervino en presentaciones y grabaciones de los comienzos del grupo “Bersuit Vergarabat”

Salio seleccionada finalista del “Primer Festival de la Canción de Villa Gesell 1998”, interpretando el tema “Carmín” de Juan Reynoso.

En 1999 graba un demo con cinco de sus temas. Desde el año 1998 hace varias presentaciones con su grupo “AGUJA EN UN PAJAR” en varios pubs de Capital Federal y Avellaneda Tocando en el “Ciclo de bandas en vivo” organizado por la municipalidad.

En 1997 graba y edita su primer disco: “Aguja en un pajar” a través de la Unión de Músicos Independientes (UMI), producido por el músico-productor Pepe Céspedes en el legendario estudio “Del Cielito” de Parque Leloir y lo presenta oficialmente en noviembre de ese año.

Actualmente concreta su participación como interprete en uno de los temas del álbum debut solista de Juan Subira próximo a editarse y continúa presentando su primer disco, en el cual la acompañan: Omar Rogantini: guitarra y coros | Nicolás García:guitarra | Luciano Tatoli: Bajo | Cristian Loudet: Batería | Germán Coppola: Teclados | Javier Scotti: percusión | Maria Nieves Villalba: coros.

Nina Polverino

2009-11-04T10:48:00.000-08:00

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Un día agotador. Largo. Sin exagerar, duró 43 horas. Por la luz que me alumbra. Y encima... se jugaba el difícil cuarto partido de Los Angeles Lakers con los Spurs de Ginobili. Pero algo nos empujó alClub Lounge, coqueto reducto de Reconquista al 900. Allí se presentaría una tal Nina Polverino, de quien teníamos infinitas referencias. Esto, si el infinito en teoría nos acercara a la nada. Lo cierto es que de la cantante no teníamos ninguna señal auditiva ni visual. Ya sé que existe el myspace, el youtube, elmirateoescuchatealgopuntocom, pero no soy muy amigo de estas cosas. Y de otras, tampoco. Pero sí presto mi amistad a lo nuevo, lo desconocido, siempre y cuando olfatee "algo".
A decir verdad, alguien me había hecho un comentario mínimo acerca de Nina Polverino. Y los músicos que la acompañarían... bueno... de lo mejor de la especie jazzera argentina. Así que dejamos grabando en Súper 8 el match Spurs - Lakers, alargamos el día a 46 horas y aquí estamos, en privilegiada ubicación, a punto de ingerir algo... que nunca llegó.
La agrupación, liderada por la cantante, se llama Nina y el lobo. Pero más que "un" lobo, hay varios. Y ellos son, ya que estamos, un quinteto NBA: Carto Brandán en batería, Jerónimo Carmona en contrabajo, Paula Shocrón en teclado y Juan Pablo Arredondo yPatricio Carpossi en guitarras eléctricas. La cantante, canta.

Los músicos suben al escenario a las 21:55 hs. Luego de una intro liderada por Shocrón, Polverino ataca tímidamente con Not About Love, tema de Fiona Apple incluido en When the Pawn... Las guitarras rockean (¿bluesean?) y entonces la cantante ataca con fiereza. Un intenso pasaje instrumental comandado por Arredondonos recuerda que estamos en presencia de músicos de jazz, aunque todos parecen haber sido invitados a una guerrilla. La potencia se acrecienta con las dos guitarras (bien) al frente y el arco de Carmona sobre las cuerdas del contrabajo. Brandán, lo de la guerrilla, parece que se lo tomó muy en serio. Polverino dice, tímidamente, gracias.

A continuación... ¿un reggae? Bueno... amaga. estamos enWang Dang Doodle, que si bien es de Howlin' Wolf, la referencia aquí parece ser la versión de P.J. Harvey en The Peel Sessions 1991-2004. O sea, algo así como el cover de un cover. Un furibundo espíritu rocker atraviesa el escenario.Polverino ataca. No tiene un gran despliegue escénico ni anda haciendo aspavientos (frase habitual ésta en las traducciones de libros rusos del siglo 19). Pero la cantante interpreta y agrede. La sólida base respalda las sutilezas deArredondo y el muy buen solo de Carpossi. Shocrón se dedica a disfrutar. Me rectifico: el solo de Carpossi no es muy bueno. Es algo (bastante) más. Arredondo empieza a llamarlos y todos comienzan a acudir. Sobre el caos sonoro, reaparece Polverino que susurra, enronquece y mete algún que otro -necesario- alarido. Carajolas. Parece que hay con qué...

Otro tema de la Harvey, The Pocket Knife, de Uh Huh Her. Los dos guitarristas empiezan a jugar. Una suerte de Carpo-Colo-tronics. Polverino alza su voz sobre un combo que rockea con un admirable grado de contención. Shocrón pone algo más que garra en su solo. El arreglo, impecable, en este caso invita al caos. Shocrón enloquece. Sus compañeros no la ayudan y es momento de decir que lo que viene desde el escenario es impresionante por donde se lo mire o escuche. Y van, apenas, 20 minutos de concierto.

Luego de aquel imperceptible "gracias", la líder toma la palabra nuevamente para presentar sobriamente a sus músicos. Nada más. De pronto, arremeten con Go.
El comienzo es como si al James Taylor Quartet(el del organista, no el del cantante) hubiese sido inyectado con altas dosis de Naked City. Irresistible desde el comienzo. Carpossi mete atractivos chiches en un furibundo rock queCarto Brandán comanda con maestría; y quien dice Brandán, dice Carmona. Polverino se sienta. Solo de Arredondo; estamos cerca y lo escuchamos cantar todas y cada una de las notas. No pifia ninguna. Carto querido...Carmona lo deja jugar solo un rato; pero cuando arremete, empiezo a temer por la solidez del edificio. Arredondo sigue con su dueto personal. En otra situación, estaríamos deseando que la cantante ni se meta. Pero le tenmos fe aNina. Que sigue sentada y golpeándose la rodilla derecha. Y no reaparece. El tema finaliza así. Inesperadamente. Bárbara-mente.
A esta altura debo decir que tal vez estoy excesivamente entusiasmado, que estoy gratamente sorprendido y que seguramente el vivo disimule algunas fallas o desbordes de la vocalista. Pero me remito a lo visto y oído y la verdad es que la Polverino parece ser cosa muy seria.

Para la acústica Soon Forget, de Pearl Jam (álbum Binaural), quedan solamente Carto Brandán yJerónimo Carmona. Eddie Vedder (líder de Pearl Jam) ofrece, tanto en estudio como en concierto, una versión en la que se acompaña con una guitarra acústica. Aquí, Polverino la interpreta con batería y contrabajo. Y entre ambos, forman una orquesta. La balada, menos festiva que en el original, no está exenta de solidez. Abrupto y sutil final.

En Rats, también de Pearl Jam (al igual que Go, del álbum Vs.), reaparece el team completo. El Colo Arredondo ataca como para que el batallón tire con munición pesada. La energía con la que cantaPolverino hace que pensemos en varias cantantes... a la vez. Sí, todas juntas. Otra impecable intervención de Arredondo que no opaca lo que, por detrás y con sorpresa, ofrecen Brandán, Carmona y Carpossi.Polverino reaparece en una suerte de rap arrastrado que su voz, aniñada por momentos, dulcifica y aterroriza. Al mismo precio.
A continuación se produce una pequeña deliberación entre los músicos que desemboca en It's You, de PJ Harvey (también de Uh Huh Her). Arredondo hace sonar su guitarra como una acústica. La banda vuela, señores, camina sola. Y la Polverino es el verdadero instrumento líder que aparece cuando y como debe y que también sabe llamarse a silencio. Carpossi, aprovechando la placidez (y solidez) reinante, guerrillea con sutileza. Y de tanto pedir pista, se la dan. Y lo bien que han hecho...

Vuelve a hablar la cantante. Sí, acertaron: para presentar otra vez a los músicos. Bueno... si lo que arrancó es lo que creo... el arreglo es tremendo. Lo están haciendo bolsa y laPolverino (afortunadamente) no ayuda. Extraordinary Machine, del álbum homónimo de Fiona Apple, tiene aquí una versión que será muy, muy difícil de superar. La original, con orquesta de cuerdas. Aquí, con los sicarios en su salsa. Luego del lujurioso dislate inicial, el tema se ha transformado, lúdicamente, en un tema de jazz hecho y derecho... y hecho pelota, como corresponde y (me) gusta. Ritmo de (casi) Marching Band. Qué lo parió...

El bis fue elegido por consenso. Es una balada. La cosa estaba entre Love Ridden o Paperbag, ambas de Apple. Por como pinta, es Love Ridden, de When the Pawn... Nos dimos cuenta por varios motivos: por cierto acorde en el teclado, el singular juego armónico de las guitarras, la sutileza del contrabajo, las escobillas de Brandán... pero, más que todo esto, porque lo primero que cantaPolverino es "Love ridden..."
Versión arrastrada, triste, desgarradora. Y cuando el tema lo requiere, aparecen las disonancias, pero contenidas. Carpossi realiza un sentido solo acorde al clima imperante. Polverino canta sin esfuerzo pero con dolor. Y todo sigue sonando tan serio, tan sólido, que es una lástima que... final.
Poco más de una hora de concierto.

Insisto en que, tal vez, la calentura del vivo haya ocultado algunas cuestiones a corregir, a enderezar. Pero también insisto en que la propuesta de Nina y el lobo es original (a pesar de no contar con material ídem) y resulta seria, sólida, potente.
Nina Polverino, sobre el escenario, mantiene una actitud ascética, de bajísimo perfil, haciendo lo que tiene que hacer sin recurrir a poses forzadas o a actitudes tribuneras.
No obstante, destila una fuerte personalidad que nos hace pensar que, aunque rodeada de lobos, no es ninguna caperucita.

Fuente: http://www.elintruso.com/article.php?id=1345

Juan Quintero

2009-10-28T11:09:00.000-07:00

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Juan Quintero

Nació en la provincia de Tucumán, en el año 1977. Desde pequeño pudo conocer los ámbitos musicales académicos, dado que sus padres formaban parte del coro de la provincia. Su juventud también fue marcada por reuniones de cantores tradicionales del repertorio folclórico argentino.

Todo esto lo fue haciendo conocer y amar la música en sus diferentes expresiones. Una vez decidi

da su vocación, se determinó a cursar la carrera de Dirección Coral en la Universidad Nacional de la Plata. Allí pudo tomar contacto con diferentes músicas, y músicos de las distintas regiones de la Argentina, y en el transcurso de los estudios conoce a Andrés Beeuwsaert y Mariano Cantero, con los que forma el trío Aca Seca, que conformó el marco donde crecieron sus primeras composiciones.

En 2004 y 2005 realizó los arreglos y la dirección de la música de Raúl Carnota y Juan Fandermole, interpretada por la orquesta Juan De Dios Filiberto en el Teatro Nacional Cervantes.

Grabó un disco solista y dos discos junto a la cantante Luna Monti, con quien realizó giras por diversos países de Europa.

Las canciones de Quintero han sido interpretadas y grabadas por reconocidos artistas como Juan Falú, Pedro Aznar, Silvia Iriondo y Lorena Astudillo, entre otros.

Aca Seca Trío

Nace en el año 1999 en la ciudad de La Plata, Argentina, mientras sus integrantes estudiaban Composición y Dirección Orquestal en la Universidad Nacional de dicha ciudad.

Cuentan con 2 discos editados, que han sido muy bien recibidos por la crítica y por artistas como Pedro Aznar (invitado de lujo en AVENIDO), Luis Alberto Spinetta y Egberto Gismonti, entre otros. En 2005 recibieron el Premio Konex otorgado a las 100 personalidades destacadas en la música de los últimos 10 años. El repertorio del trío se basa en composiciones propias y de autores como Juan Falú, Jorge Fandermole, Hugo Fattoruso y Carlos Aguirre, entre otros. Se han presentado junto a Pedro Aznar, Liliana Herrero, León Gieco y Mono Fontana.

Juan Quintero integra además un dúo con Luna Monti, recientemente ganadores del premio Clarín Revelación en Folclore.

Andrés Beeuwsaert integra el grupo de Pedro Aznar desde 2004, ganando en 2006 el premio Clarín Revelación en Jazz.

Mariano Cantero forma parte del grupo de Liliana Herrero, Veronica Condomí, de La Bomba de Tiempo y de Banda Hermética. Con éste último realizan un homenaje a la música del gran Hermeto Pascoal.

Su disco Avenido ha sido editado en Japón. En 2007 reeditaron su primer disco ACA SECA TRIO, incorporando la grabación del piano acústico, y su posterior remezcla y masterización.

Juan Quintero y Luna Monti

Se conocieron por obra y gracia de Raúl Carnota. Fue un encuentro más bien casual, pero decisivo. Desde ese momento, el compositor tucumano Juan “Popi” Quintero y la cantante porteña Luna Monti, se convirtieron en pareja, tanto en la faz profesional como en la personal. “Lo que hacemos es genuino, y eso llega a todos por igual”, señaló Quintero. Ambos comenzaron a tocar juntos en 2001 y han realizado numerosas actuaciones por Argentina, Latinoamerica y Europa. Quintero es uno de los compositores mas interesantes del panorama actual. En “El matecito de las siete”, el segundo disco del dúo, se escuchan sus temas junto a los de referentes como el Chivo Valladares, Zitarrosa y el Chacho Echenike. Aunque, cuando se les pregunta por influencias importantes, los dos apuntan más cerquita: “Venimos de casas de músicos y cantores los dos. Nuestros padres son nuestros referentes, los que nos hicieron conocer, naturalmente, a los grandes compositores. Y también son nuestra escuela”, explican ellos. “Por más estudios y conservatorios que hayamos hecho, sentimos esencial ese aprendizaje de los asados en nuestras casas, algo que siempre seguimos buscando y generando.”

Juan Quintero deslumbra como guitarrista, pero también por sus arreglos musicales, la expresividad de voz y hasta por su gracia y soltura frente al público. Luna Monti tampoco queda atrás: seduce y hechiza con su voz y su silencio. Hay un gran trabajo de técnica vocal. Las voces de los enamorados se confunden con las armonías de la guitarra de Juan y llenan de duende la noche. A veces sólo se valen del acompañamiento austero de una cajita chayera, o de un par de accesorios percusivos básicos, para desplegar toda la expresividad encerradas en las canciones. Juan y Luna rescatan hasta la mayor de las sutilezas de cada género folklórico y lo reviven a su manera joven, fresca, renovada, genial.

Juan Quintero y Edgardo Cardozo

Un disco soñado por todos los que siguen la trayectoria de estos dos talentosos artistas. Cardozo y Quintero se juntaron y generaron un remolino de magia, guitarras y voces ellos dos, solitos.

A veces es difícil explicar las cosas sencillas de la vida, de la música. Por ejemplo, es más fácil entender el funcionamiento del mecanismo de un piano que la emoción que nos genera un acorde en ese mismo piano. De la misma manera, poner por escrito las sensaciones que nos despierta este disco sencillo, redondo y natural, es arduo. Acá no hay artificios: dos guitarras, dos voces.

Tanto Edgardo Cardozo como Juan Quintero son dos magníficos autores de canciones, y también cantantes sensibles y guitarristas virtuosos. Ambos son difíciles de clasificar, si bien Juan está claramente identificado con lo folclórico, quizás no sólo por su trayectoria, sino también por un prejuicio porteño con los músicos del “interior” (es tucumano). Pero lo cierto es que el terreno donde más a sus anchas se sienten es la canción. Y también tienen como característica común el gusto por el trabajo en equipo (lo demuestran actualmente, Edgardo en Puente Celeste y Juan en el Aca Seca Trío, por ejemplo). Por eso se podía esperar un disco con mucho juego a dos voces y con una atractiva interacción de sus guitarras, y eso está plasmado en la obra.

Las tomas se hicieron directas, casi sin sobregrabaciones. Esa naturalidad se percibe a lo largo de todo el disco y es lo que el oyente espera de Cardozo y Quintero. Lo que por ahí no se espera tanto son los potentes solos de guitarra en Rosa, o en Algo más pasará, tema que abre este trabajo. Luciérnagas es otra muestra de cómo se puede ser potente con dos guitarras y una voz clara como la de Edgardo. Ya que hablamos de esta canción, digamos que es una de las tres que fueron compuestas sobre poesías del genial Juan L. Ortiz. Repasando la lista de temas, descubrimos que no hay ninguna canción escrita de a dos para el disco. Sin embargo, hay joyas como La luminosa que parecen diseñadas a medida para Edgardo, ¡tanto que uno se pregunta de quién será realmente la música! Y Juan nos cuenta que la hizo pensando ya en la voz de su compinche, y eso explica todo. Amigo cierra con un artesanal arreglo a dos voces de La ventana, de Cardozo sobre texto de Leónidas Lamborghini.

El disco se escucha sin sobresaltos, el trabajo de Oski Amante consistió (como siempre debería ser) en hacernos olvidar que se trata de una grabación. Suenan perfectas las guitarras, el balance de graves y agudos es justo, las personales voces de ambos cantantes están donde deben estar. Parece que los tuviéramos cantando ahí, a metros nomás. Nada en Amigo es ajeno al camino que vienen construyendo los dos y esto abarca a toda la producción: desde los arreglos hasta el cuidado en el diseño.

Como en la simple e inteligente gráfica del disco, los espíritus, las voces y las guitarras de estos dos amigos se funden generando un nuevo rostro. Ojalá que de este vínculo surjan nuevos frutos sin que tengamos que esperar mucho para volver a saborearlos.

Fuentes:
www.artenqn.com.ar/JUAN-FALU-Y-JUAN-QUINTEROS
www.myspace.com/acasecatrio
www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-1399-2004-10-16.html
http://clubdeldisco.com/sitio/index.php/catalogo/disco/edgardo_cardozo_juan_quintero_amigo/

Lucio Mantel

2009-10-22T11:47:00.000-07:00

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Desde la primera canción nos hipnotiza la particular voz aguda de Lucio Mantel,hecha de esa mezcla de debilidad y fiereza poética tan grata a la memoria del rock argentino en su vertiente más lírica (Spinetta mediante). Esa presencia constante de su voz aérea de tenor, algo frágil pero segura en su decir, acompañada por la guitarra criolla de la que parecen brotar las imágenes que inundan sus letras, baña todo el disco. Se hacen inevitables los paralelismos, o las cercanías con el pop de Lisandro Aristimuño, o con lo sonoridad acústica de Seba Ibarra.

Nictógrafo tiene muchas virtudes, más considerando que se trata de un primer disco de autor: una de ellas es la brevedad. En menos de 39 minutos está todo dicho. Mantel no nos aburre con reiteraciones innecesarias, sus doce canciones terminan cuando ya han expresado lo que querían expresar, que no es poco. Otra virtud es la variación de ritmos y texturas tímbricas. El disco está muy bien producido en ese sentido, bien pensado. Como los buenos titiriteros, Mantel no deja ver los piolines: hay muchos instrumentos dosificados, aquí y allá, que se suman al trío básico de guitarra, bajo y percusión, pero queda siempre en primer plano la expresividad de la poesía y la melodía. La mezcla también es preciosista, se percibe que nada se hizo a las apuradas sino que se tomó el tiempo necesario para tener una obra consistente, sin puntos débiles. El sonido general del disco es agradable y permite una escucha sin sobresaltos ni cambios de volumen.

Algunas características del compositor: una gran imaginación melódica y armónica, un buen manejo de la forma canción y de los climas. Se puede decir que está dentro de la tradición de la canción argentina de los últimos cuarenta años: es inevitable la referencia a Spinetta o a Páez, pero también hay muchos puntos de contacto con autores más jóvenes como Juan Quintero o Carlos Aguirre (particularmente en las canciones con más aire folklórico). Como estos artistas, parece haber llegado a una síntesis de elementos diversos que la da un sabor netamente argentino sin ser deudor de nadie en particular sino de una tradición más general que incluye tanto a los nombrados como a Piazzolla o al“Cuchi” Leguizamón.

Párrafo aparte para la poesía: independientemente de los elementos que resaltan en la primera audición (neologismos como “espejeaba” o palabras prestadas como “nictógrafo”) y de la obsesión por la luz y sus reflejos, las letras de Lucio son muy amables con su música. Hechas para ser cantadas, tienen el mismo don que el disco en general: no intentan abrumar con su originalidad en sus momentos más sublimes, ni aburren cuando se acercan al lugar común. Equilibrio es la palabra para definir esta otra virtud del autor en la siempre difícil puja entre letra y música.

El arte gráfico del disco apoya las canciones a la perfección. Se percibe que Mantel estuvo presente, ejerciendo amplio control sobre cada paso del proceso de creación de la obra. Esa posibilidad que brinda la actual coyuntura, el abaratamiento de la grabación y replicación de discos en los últimos años en nuestro país sumado a los beneficios de la producción independiente, en la que el artista es su propio sello, permite primeros discos maduros y coherentes como este.

Fuente: http://clubdeldisco.com/sitio/index.php/catalogo/disco/lucio_mantel_nictografo

Liliana Herrero

2009-10-15T10:05:00.000-07:00

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Intérprete del folklore argentino y profesora universitaria en Filosofía. Nació en Villaguay, Provincia de Entre Ríos, Argentina. Inició su vida artística como cantante en los años '60. Desde entonces sostiene decisiones estéticas y culturales dedicadas a bucear en raíces folklóricas, otorgándoles sonidos y tratamientos contemporáneos. Independizando a estos riquísimos testimonios de la creación musical y poética argentina (antigua y moderna) de ciertas rutinas que suelen ser reclamadas por las tendencias mas protocolares del acervo popular. Ese es su debate fundamental, de donde proviene su empeño en la búsqueda de otro horizonte vital, artístico y político en el diálogo con el pasado. De esta manera, Liliana Herrero propone una forma de interpretación más ligada a la re-composición que a la mera copia fiel de una obra popular en su versión original. Creyendo que allí es donde se encuentra el poder de la obra en sí, en la posibilidad de resistir nuevas visitas e interrogantes. Y es también allí donde logra exponer su áspera y particular voz, que trasciende fronteras estilísticas para adueñarse de su propio territorio musical. En este camino ha compartido escenarios y/o grabaciones con músicos populares contemporáneos como Juan Falú, Gerardo Gandini, Adrián Iaies, Hugo Fattoruso, Raúl Barboza, Arismar do Espirito Santo o Hermeto Pascoal. A su vez, Fito Páez ha producido con ella sus tres primeros discos y, de una manera u otra, ha estado presente en todos los que ha grabado posteriormente. Ha presentado su música en los más diversos escenarios del mundo como: Maison de l’ Amérique Latine (París), Foro de organizaciones no-gubernamentales de la mujer. (Pekín, China), Argentine Music & Film Festival (Londres), Festival "Em scena" (Porto Alegre), Festival Río Garonne (Toulouse, Francia), Clamores (Madrid), IV Mercado Cultural (San Salvador de Bahía, Brasil), La Mar de Músicas (Cartagena, España), Club de Jazz Medio y Medio (Punta del Este), Festival América do Sul (Corumbá, Brasil). Ha realizado una extensa gira por Japón en Octubre del 2006; además de presentarse en los más diversos teatros, encuentros y festivales a lo largo de toda la Argentina. En Noviembre del 2006 se edita el libro del investigador Damián Rodríguez Kees “Liliana Herrero. Vanguardia y canción popular” editado por la Universidad Nacional del Litoral.

Fuente: http://www.myspace.com/lilianaherrero

Martin "El Gonomo" Reznik (((La Filarmónica Cósmica)))

2009-10-08T08:22:00.000-07:00

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El lado oscuro de la filarmónica

Los comienzos de este proyecto se remontan al año 2003. Martín Reznik vuelve de un viaje por Brasil y comienza a grabar sus canciones. Lo que empieza como un juego concluye dando a luz “El Disco del Gnomo”. Esta grabación hogareña realizada con escaso presupuesto, refleja las vivencias de una etapa de juventud llena de vitalidad y fantasía.

Al año siguiente se juntan varios de los amigos que habían participado en el disco para formar La Banda del Disco del Gnomo. En octubre del 2004 realizan una serie de presentaciones en “Pan y Arte” y otros centros culturales. El Disco es elegido entre 500 grupos para participar del certamen “Aguante Buenos Aires”. A fin de este año comparten escenario con Juana Molina en el marco de conciertos realizados por Estudio Abierto en la vieja confitería El Molino.

En el 2005 la banda crece y se convierte en un proyecto grupal. Adoptan el nombre La Burgia. Después de casi un año de ensayos realizan muy pocas presentaciones compartiendo escenario en una oportunidad con Pablo Dacal y El Kuelgue en Castorera. Finalmente el proyecto se desvanece y sus integrantes toman nuevos rumbos.
A fines de este año Martín Reznik graba “V”, un disco de guitarra y voz con canciones que muestran una nueva búsqueda compositiva influenciada fuertemente por la escucha del uruguayo Eduardo Mateo. Este trabajo solamente es conocido por algunos amigos, y sería presentado en cierta medida en un concierto realizado en el Centro Cultural de la Cooperación..
A mediados del 2006 nace La Filarmónica Cósmica. Se reincorpora Manuel Toyos como pianista y Juan Suarez (trompeta) y comienzan a experimentar con un sonido totalmente acústico. Luego se suman Leila Cherro (chelo) y Gaspar Tytelman (percusión).
Durante el 2007 se embarcan en un intenso sendero de conciertos por diversos lugares de la ciudad; entre ellos el C. C. G. San Martín, El Nacional y NoAvestruz. Presentándose como un grupo de canciones interpretadas por una pequeña orquesta, graban un disco en vivo a fines de este año que se mantendría inédito.

Durante el 2008 el grupo suma nuevos integrantes y graba su primer disco de estudio. La banda muta hacia una sonoridad que combina rock – arreglos orquestales e improvisación. Se presentan nuevamente en No Avestruz, Espacio Ecléctico, Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural de .a Cooperación; compartiendo escenario en algunas ocasiones junto a Onda Vaga, Ezequiel Borra y Polaco Sunshine.

El 2009 encuentra a la banda preparando la presentación del disco en vivo para septiembre en un ciclo de todos los viernes en el CCC, y comenzando a grabar su segundo disco.
La Banda se ha reformulado nuevamente con Pablo Bendov en batería y a Martín Pantusoen bajo, Manuel Toyos (piano teclados), Juan Suarez (trompeta y fx), Ezequiel Borra (guitarra electrica y voces) Martín Reznik (voz y guitarras nylon - acero); manteniendo a la vez una gran cantidad de satélites que varían según los conciertos aportando diferentes colores. Entre ellos:Leila Cherro (chelo), Polaco Sunshine (psicodelia), Damián Minckas (cuatro, charango y banjo),Santi Castelani (trombón), Cristian Terán (saxo y clarinete bajo).

La línea que une estos años de movimiento aquí detallados es la de un proyecto musical que siempre se mantuvo tocando canciones originales y transmitiendo emociones al público.

El disco es selección del mes de Julio en El Club del Disco.

Fuente: http://blogs.myspace.com/index.cfm?fuseaction=blog.view&friendId=181006767&blogId=500297487

Alberto Rojo

2009-10-01T09:06:00.000-07:00

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Alberto Rojo Guitarrista, Compositor, cantante e intérprete exquisito. Ha escrito canciones y obras instrumentales en las que confluyen lo folclórico tradicional, la música clásica y el repertorio internacional.

Sus canciones y sus obras para guitarra forman parte de planes de estudio de conservatorios argentinos y latinoamericanos.

En más de una ocasión ha hecho coincidir sus presentaciones musicales con charlas científicas de interés general y uno de sus futuros proyectos es una presentación musical con canciones de Jorge Luis Borges en conjunto con una charla sobre el impacto de la obra literaria de Borges en la ciencia.

BIOGRAFIA COMO MÚSICO

Alberto Rojo nació en Tucumán (Argentina). A los seis años empezó a estudiar piano y varios años después descubrió la guitarra. Autodidacta hasta 1980, cuando obtuvo una beca para estudiar en el Camping Musical de Bariloche con Eduardo Frason.

Más tarde estudió composición con Pamela Decker en Michigan y guitarra en las Jazz Sessions del Berklee Collage Of. Music en Boston y con Ray Chester del Peabody Conservatory de Washington. Entre 1979 y 1989 fue miembro del grupo Gaudeamus de música antigua, con numerosas presentaciones en toda la Argentina.

Desde 1990 participo en varios festivales de guitarra, entre ellos el de Costa Rica (Luis Zumbado), en el Konoxville Guitar Society, Tennessee (Larry Long) y en varias oportunidades el Festival de Guitarras del mundo organizado por Juan Falú.

En 1999 el sello Epsa music editó su primer CD De visita, parte de la prestigiosa colección “guitarras del mundo”. El CD “Clásicos del siglo XXI” de Víctor Villadangos (1998) incluye dos composiciones de Rojo, el único argentino entre grandes compositores contemporáneos.

En el 2002, entre los meses de abril y junio, Alberto Rojo grabó Para mi sombra, su segundo disco, en los estudios Marina Sound, bajo la producción de Pedro Aznar (Ex Seru Giran, Path Methny Group y nominado a los premios Grammy latino 2003 como productor del último trabajo de Eva Ayllón, Perú) quien además participa en piano, voz, bajo. El repertorio está basado en obras propias, como Qué Bonito, Chacarera del fuego, Zamba del agua y Filo Hua Hum, e incluye también la musicalización de un poema inédito de Atahualpa Yupanqui y la versión original del clásico Desarma y Sangra, de Charly García, quien además participa de la grabación en piano y voz.

También participaron en Para mi sombra el percusionista Facundo Guevara (Liliana Herrero, Pedro Aznar) y Diego Clemente (Jaime Torres, Pedro Aznar, Lito Vitale) en charango y aerófanos.

El 28 de marzo de 2002 Mercedes Sosa lo invita a cantar en el Massey Hall de Toronto (Canadá) y en abril lo invita cantar nuevamente por su gira por el interior del país. Desde abril del 2003 está a la venta Para mi sombra, editado por Acqua Records.

Durante el 2003 Rojo viajó a Argentina en varias ocasiones para presentar Para mi sombra. Tocó en provincias del interior del país y en Capital Federal y nuevamente fue convocado por Juan Falú para el Festival de guitarras del mundo, organizado por la Secretaria de cultura del G.C.B.A. La presentación de Para mi sombra, se realizó en el Club del Vino, con gran convocatoria de medios radiales, televisivos y gráficos. Alberto estuvo acompañado en el escenario por Pedro Aznar como músico invitado y en calidad de productor artístico, Facundo Guevara en percusión, Diego Clemente en aerófanos y el renombrado guitarrista Víctor Villadangos. Asistieron a la presentación amigos y músicos conocidos, entre ellos Mercedes Sosa quién dijo ante las cámaras de televisión “ser la fan número uno”.

En el mes de mayo del 2004 viajo nuevamente a Argentina para iniciar una gira por la Patogonia, que incluyo las ciudades de Ushuaia, Rió Grande, Trelew, Bariloche, y Neuquen, los conciertos tuvieron una particularidad especial muchos de ellos fueron acompañada por “Charlas de divulgación Científicas” sobre Borges y la mecánica cu·ntica.

En 14 de mayo del abril del 2005 se presentó en Aula Magna de la Facultad de Derecho de la ciudad de Mar del Plata junto a Facundo Guevara en percusión, también ofreció una charla guitarristica en el Juan Martín de Pueyrredón para los alumnos del conservatorio de Mar del Plata.

Alberto Rojo grabó dos canciones (“Chacarera del fuego” y “Zamba de Argamonte”) con Mercedes Sosa en su nuevo álbum que está grabando para el prestigioso sello Alemán Deutsche Grammophon.

La revista Rolling Stone de Argentina nombró a Para mi sombra uno de los cinco mejores discos de folclore del 2003.

La Chacarera del Fuego (de Para mi Sombra) integra el disco "THE ROUGH GUIDE TO THE MUSIC OF ARGENTINA" del sello World Music Network ( publicado en marzo de 2004).

La notable guitarrista Berta Rojas tocará música de Alberto Rojo en el Royal Festival Hall (Londres, octubre del 2004).

En mayo del 2004 el gobernador de la provincia de Tierra del fuego (Argentina) nombro Alberto Rojo “Visitante de honor de la ciudad de Ushuaia” .

En el 2005 participará en la próxima edición del 17 Mercat de Música Viva de Vic, en la Ciudad de Vic, España que se realizará del 15 al 18 de septiembre del 2005 www.mmvv.net

En 2006 actúa junto a Mercedes Sosa en Cosquín 2006. El mismo año Rojo hace su debut como orquestador en el Teatro Colón: interpreta su pieza “Ni Si Ni No” (con música de Luis Gurevich) junto a Mercedes Sosa y la Orquesta Estable del teatro dirigida por Pedro Ignacio Calderón.

En 2007 actúa con Mercedes Sosa en Chigago y en el City Center de Nueva York. Da conciertos como solistas en Portales y Santa Fe (Nueva Mexico).

En 2007 graba, junto al Alberto Rojo Trio (Michael Gould en Percusion y Andrew Kratzat en contrabajo) el disco “Amaicha”, editato por Block M Records (sello de la Universidad de Michigan).

En 2008 participa de la gira europea de Mercedes Sosa, tocando junto a ella en el Auditorio de Roma, la Feria de Milian, el Indigo2 de Londres y la feria de Zaragoza.

En 2009 publica “Tangentes”, producido por Luis Gurevich, editado por Acqua Records con la participación de Mercedes Sosa, Chango Farías Gómez, Víctor Heredia. Graba la "Canción de las Cantinas" a dúo con Mercedes Sosa para su disco "Cantora 2".

BIOGRAFIA ABREVIADA COMO CIENTÍFICO Y DIVULGADOR

En 1990 se doctoró en física en el Instituto Balseiro (Bariloche, Argentina) y se mudó a los Estados Unidos. Fue investigador de la Universidad de Chicago, profesor de la de Michigan y a la vez practicó intensamente la guitarra. Desde entonces alterna su vida entre dos pasiones: el arte y la ciencia.

Es profesor de Oakland University en Michigan (donde vive actualmente) Ha publicado contribuciones a la física teórica, en particular la mecánica cuántica del estado sólido, algunas como único Autor y otras en colaboración con físicos prominentes como Gerald Mahan y Anthony Leggett (ganador del premio Nóbel de física del 2003) Sus investigaciones (en colaboración con Eduardo Jagla de Triestre) sobre el origen geométrico de formaciones geológicas recibió amplia cobertura internacional, con artículos especiales en (entre otros) el New York Times, Popular Science y Daily Telegraph (Londres), además de una sección en el libro “La ciencia de Harry Potter” de Roger Highfileld.

Dio numerosos seminarios científicos en congresos internacionales y en universidades, incluidas presentaciones en la Universidad de Chicago, Harvard University en 1992, Scuola Normale de Pisa en 2000.

El interés de Alberto Rojo por la ciencia y el arte se extiende a la literatura: ha publicado ensayos sobre la conexión entre la literatura y la ciencia en diarios argentinos, 3 en La Gaceta de Tucumán, 28 en el diario Crítica de la Argentina, uno en Página 12, uno en La Nación (Argentina), uno en Ann Arbor News (Michigan), 4 en Oakland Journal (Michigan), 12 en la revista First, 3 en la revista Superchicos.

En 1999 gana el Premio Edenor (organizado por la Feria del Libro) por el ensayo “El jardín de los mundos que se ramifican: Borges y la Mecánica Cuántica”. El ensayo es usado como texto de referencia en muchas universidades del mundo, fue ampliamente citado en libros de crítica literaria y de física y tiene un segmento en el artículo sobre Borges de la versión castellana de Wikipedia.

En 2007 fue nombrado "Jack Williamson Professor of Science and Humanities" por la Eastern New Mexico University

En 2007 publica el libro "La Física en la Vida Cotidiana" editado por Siglo XXI Editores. A principios de 2009 la venta del libro superó los 15 mil ejemplares. En 2007-2008 conduce una columna semanal en Canal 7 en el programa “Mañana Vemos”, (Canal 7, Argentina) conducido por Mex Urtizberea. La columna “Caminando Sobre Agua” alcanzó 2.1 puntos de rating. El segmento fue auspiciado por la fundación FUDETEC (Siderca).

En 2005, 2006, 2007 y 2008 dio charlas plenarias en el Foro de Enseñanza de las Ciencias en la Feria del Libro de Buenos Aires.

En 2009 fue invitado a disertar en la Feria del Libro de Guadalajara.

Dio varios talleres en el Espacio Joven de La Feria del Libro de 2005, 2006, 2007 y 2008 y en la Feria Nacional de Ciencias, Puerto Madryn, 2008.

En 2008 fue invitado por la Universidad Menéndez Pelayo en Valencia a disertar en el congreso "La Filosfía como Ciudad de las Artes y las Ciencias"

Contribuyó a los siguientes capítulos en libros de divulgación: “El jardín de los mundos que se ramifican: Borges y la Mecánica Cuántica”, en “Borges en Diez Miradas”, fundación Edenor, 1999. “Física del Cantautor”, en “Arte y Ciencia”, a ser publicado por Plaza y Valdés (España y México) en 2009.

Fuente: www.albertorojo.com

Ernesto Snajer y Palle Windfeldt

2009-09-23T19:03:00.000-07:00

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Ernesto Snajer (Argentina) y Palle Windfeldt (Dinamarca) comenzaron a tocar como dúo en 1990. A lo largo de todos estos años se presentaron en numerosos escenarios del mundo. “Ida y vuelta”, a pesar de los casi veinte años de vida del dúo, es su tercer disco de estudio (habían publicado “Guitarreros” en 1991, y “Koben Aires” en 1993).

Incluyen en este trabajo diez temas de su autoría, basados principalmente en ritmos folklóricos de Argentina (zambas, chacareras, milongas

, cuecas), a los que le aportan elementos que vienen del tango y el jazz.

Egberto Gismonti, les editó un disco para su prestigioso sello Carmo/ECM, en el que incluyó temas de sus dos producciones.

El álbum será presentado oficialment

e en el Café Vinilo el sábado 26 de septiembre, tras una intensa gira por el interior del país que incluye varias ciudades de Buenos Aires, Chaco, Córdoba y Santa Fe. En abril de 2010 lo presentarán en Copenhague.

ERNESTO SNAJER

Guitarrista y compositor argentino. Integró los grupos de Lito Vitale y Pedro Aznar, y un trío junto a Verónica Condomí y al percusionista Facundo Guevara. Ha grabado como invitado con Jacques Morelembaum, Alejandro Lerner y León Gieco, Jairo, Juan Carlos Baglietto, Javier Malosetti, Ariel Ramírez, Julieta Venegas, Luciano Pereyra, Soledad, Peteco Carabajal, Kepa Junquera, Kim Kristensen, entre otros. Compone música original para televisión, cine y teatro. Con todos sus proyectos y grupos grabó discos que fueron presentados en numerosos escenarios del mundo. Lidera su propio grupo desde 1998, y desarrolla una intensa actividad como productor musical: Liliana Herrero, Veronica Condomí, Immigrasons (de Cataluña), entre otros.

PALLE WINDFELDT

Destacado guitarrista y compositor nacido en Dinamarca. Fuemiembro fundador de “Bagdad Dagblad”, una de las bandas de fusión más reconocidas de su país, con el que editó cinco discos. En 1990 vino a estudiar a estudiar tango y música argentina a Buenos Aires, durante tres meses. Como resultado de esa experiencia, creó el grupo “Tango Orkestret”, que en la actualidad sigue presentándose en distintos países. Formó parte de distintos proyectos de muy variadas características musicales, incluso grabó música para niños. Desde 2000 es profesor de guitarra y ensamble en el Conservatorio de Música Rítmica de Copenhague.

María José Galliano (((Doña María)))

2009-09-14T21:40:00.000-07:00

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Este nuevo supergrupo toma una selecta lista de canciones del repertorio folklórico sudamericano y las reformula en una mezcla bailable, urbana y emotiva. Se trata de una obra que hace reflexionar, con ironía, sobre los límites de la globalización, y las infinitas posibilidades de la riqueza musical.

Es un cruce de lenguajes que para algunos serían lejanos y aquí suenan juntos, ligados con un atrevimiento provocador. Sin prejuicios, pero cuidando el valor genuino del que se nutren, los jóvenes integrantes de Doña María fusionan el repertorio popular, más bien tradicional, con elementos contemporáneos (como técnicas digitales) e influencias populares de otras latitudes (como el rap o el dub).

No es un mix de folklore electrónico, ni es un disco de perfil internacional que podrían catalogar como world music. Son canciones que conforman un mosaico multicultural latinoamericano, con fuerte pasado, y están aquí y ahora con todo su carácter en una clara señal de cómo se vive y se disfruta la memoria musical en la actualidad.

El grupo eligió una sonoridad muy particular, principalmente acústica, y quizás ahí está su mayor acierto, casi como una reverencia a los artistas de los cuales toma las obras.

En el disco hay contrabajo, percusiones, guitarra criolla y caja chayera, a la que suma un DJ que –con bandejas de vinilo- aporta samplers y scratch. Como un punto justo entre la gran ciudad y el campo, como un nuevo mapeo de costumbres populares en urbes globalizadas, emerge Doña María con varias virtudes que se integran en la pluralidad estética, la amplitud de estilos y la seriedad con que está hecho su trabajo.

En primer lugar, se nota un gran conocimiento tanto del material folklórico como de la cultura rock moderna. En términos tímbricos, para ser más claros: manejan tan bien la guitarra criolla y el bombo legüero como los samplers y los remix. Pero no es sólo una cuestión de cómo tocan o lo bien que cantan los integrantes del grupo; se perciben como propios tanto la zamba como el rap; no parecen cuestiones forzadas, y eso se nota en el manejo de los tiempos, los climas. Allí hay otro hallazgo de cuestiones tales como el tempo, ya que la música autóctona tiene muchas veces fluctuaciones del tiempo (rubato), que la música creada para bailar en una disco carece. Es interesante escuchar esa trama por ejemplo en La diablera.

Hay momentos en los que con mucho sentido del humor, los músicos juegan con los géneros y se permiten medleys impensados, como por ejemplo el enganche del final de Beatriz Durante (chacarera hecha y derecha) con el comienzo de Fuego en Animaná/Polleritas (a su vez, un medley de guitarras flamenco-pop).

Se destacan también los arreglos de voces en muchos temas del disco, cosa que quienes tuvimos oportunidad de verlos en vivo pudimos corroborar que son reales.

La lista de temas y autores en tan variada que llama la atención, a esto se suma la impronta singular que Doña María supo darle a cada tema con una meticulosa labor, lo que nos exige más de una escucha atenta, pues hay pasajes muy íntimos y altamente creativos, a pesar de no ser música de autor. Vale decir que no todo el disco es una fiesta, también que no todo lo que se baila está vacío de contenido artístico. En este caso, la revisita a un repertorio que originalmente tuvo otro espacio, se acerca a las nuevas generaciones, como una propuesta nueva y enriquecedora. Es algo para festejar.

FICHA TÉCNICA:

MÚSICOS:

María José Galliano: voz, melódica, radioreloj y percusión

Juan Ignacio Serrano: guitarra criolla, guitarra acústica, sintetizador y voz

Sergio García Marín: contrabajo y voz

Fernando Radl: percusión, guitarra eléctrica, bajo, sirena y voz

Rafael García: percusión, scratch y sampler

Marcelo von Schultz: percusión

Invitados:

Nicolás Martín: guitarra eléctrica en 2 y 10

Juan Ravioli: piano en 8

TÉCNICA

Grabado en 2008 en Del Abasto al Pasto

por Claudio Romandini.

Overdubs en Beso Astral por Pablo “Yogur” Diéguez y en Heterogénea por Juan Ignacio Serrano.

Mezclado por Matias “Chavez” Méndez en Nómade.

Producción artística: Juan Ignacio Serrano (a excepción del track 11, remix producido por Chávez).

Fuente: http://clubdeldisco.com/sitio/index.php/catalogo/disco/dona_maria_dona_maria/